Antonio Canova

Rom prägte entscheidend Antonio Canovas Weg vom venezianischen Handwerkersohn zur herausragenden Figur des europäischen Klassizismus. Seine Karriere spiegelt den kulturellen Wandel einer ganzen Epoche wider – von der theatralischen Pracht des Barock zur edlen Zurückhaltung der Antike.

Die Transformation seines Stils vollzog sich nicht abrupt, sondern durch kontinuierliche Auseinandersetzung mit antiken Vorbildern und der zeitgenössischen Kunsttheorie. Rom bot ihm das ideale Umfeld für diese künstlerische Reifung: die unmittelbare Nähe zu antiken Meisterwerken, den Austausch mit Gelehrten und Künstlern sowie Aufträge von einflussreichen Mäzenen, die seine Vision teilten.

Lehrjahre und Frühphase

Der junge Antonio wuchs nach dem frühen Tod seines Vaters bei seinem Großvater auf, einem Steinmetz in Possagno. Schon als Kind formte er kleine Figuren aus Lehm und Butter – eine Anekdote berichtet, wie er bei einem Festmahl des venezianischen Patriziers Giovanni Falier einen Löwen aus Butter modellierte und damit die Aufmerksamkeit der Gesellschaft erregte.

Diese frühe Begabung führte ihn mit vierzehn Jahren in die Werkstatt Giuseppe Bernardis, genannt Torretti, nach Venedig. Dort erlernte er nicht nur die handwerklichen Grundlagen der Steinbearbeitung, sondern kam auch erstmals mit den theoretischen Diskussionen der venezianischen Kunstakademie in Berührung. Die kosmopolitische Atmosphäre der Lagunenstadt öffnete ihm den Blick für internationale Kunstströmungen und weckte seinen Ehrgeiz, über die lokale Tradition hinauszuwachsen.

Frühe Werke in Venedig

In Venedig schuf Canova seine ersten eigenständigen Arbeiten. Die Skulpturengruppe „Daedalus und Ikarus“ von 1779 zeigt bereits seine Fähigkeit, komplexe Emotionen darzustellen – der besorgte Blick des Vaters, während er seinem Sohn die wächsernen Flügel anlegt, kündet bereits vom drohenden Unheil. Senator Giovanni Zulian, sein wichtigster Förderer, erkannte das außergewöhnliche Talent und ermöglichte ihm 1779 die entscheidende Reise nach Rom.

Diese venezianische Phase war geprägt von einem Stil, der noch deutliche Spuren des Rokoko trug – weichere Formen, theatralischere Gesten, naturalistischere Oberflächenbehandlung. Die „Eurydike“ und der „Orpheus„, heute im Museo Correr, zeigen diese noch suchende Handschrift eines jungen Künstlers zwischen Tradition und Innovation. Doch schon hier offenbarte sich sein besonderes Talent für die psychologische Durchdringung mythologischer Themen.

Antonio Canova und Winckelmanns Antikenstudium

In Rom begegnete Canova den Idealen Johann Joachim Winckelmanns, dessen Lehre von der „edlen Einfalt und stillen Größe“ sein künstlerisches Denken prägte. Der Maler Anton Raphael Mengs, enger Vertrauter Winckelmanns, hatte diese Prinzipien bereits in die Praxis umgesetzt und galt den jungen Künstlern in Rom als Vorbild. Der Apollo von Belvedere wurde zu seinem wichtigsten Vorbild – man erkennt dessen göttliche Anmut später in Canovas Perseus wieder. Anders als viele Zeitgenossen kopierte er die Antike nicht sklavisch, sondern interpretierte sie neu.

Er studierte die antiken Statuen bei Fackelschein, um ihre Oberflächenstrukturen besser zu verstehen, und fertigte unzählige Zeichnungen an. Diese intensive Auseinandersetzung mit den Originalen überzeugte ihn davon, dass die Antike nicht durch bloße Nachahmung zu erreichen war, sondern durch ein tiefes Verständnis ihrer Prinzipien.

Winckelmanns Schriften lieferten ihm das theoretische Fundament, doch Canova entwickelte daraus eine eigenständige künstlerische Vision, die das antike Ideal mit moderner Sensibilität verband. Seine systematischen Studien umfassten Proportionslehre, Anatomie und die Analyse von Bewegungsabläufen – eine wissenschaftliche Herangehensweise, die seine spätere Arbeitsweise prägte.

Höhepunkte der Karriere und Meisterwerke

Die 1780er Jahre markierten Canovas künstlerischen Durchbruch. Mit „Theseus und der Minotaurus“ (1781-1782) gelang ihm ein Werk, das die römische Kunstwelt aufhorchen ließ. Anstatt den Kampf selbst darzustellen, zeigt Canova den Moment danach – Theseus sitzt erschöpft, aber siegreich auf dem besiegten Ungeheuer. Diese Wahl des ruhigen Moments nach der Dramatik wurde zu seinem Markenzeichen.

Die kommenden Jahrzehnte brachten eine beispiellose Serie von Meisterwerken hervor, die seinen Ruf als größter Bildhauer Europas festigten. Jedes neue Werk übertraf das vorherige an technischer Virtuosität und emotionaler Tiefe. Aufträge aus ganz Europa strömten in seine römische Werkstatt – von russischen Zaren über österreichische Erzherzöge bis zu Napoleon selbst. Im kosmopolitischen Rom dieser Jahre arbeitete er neben Künstlern wie der Malerin Angelika Kauffmann, die ebenfalls antike Stoffe in klassizistischer Formensprache gestaltete.

Diese Schaffensphase war geprägt von einer perfekten Balance zwischen künstlerischer Freiheit und den Erwartungen hochrangiger Auftraggeber, zwischen klassischer Strenge und romantischer Gefühlstiefe.

Psyche und Amor: Eine Analyse

„Psyche erwacht durch den Kuss des Amor“ (1787-1793) gilt als Höhepunkt seiner Erzählkunst in Marmor. Die Komposition fängt den exakten Augenblick ein, in dem Psyche aus ihrem todesähnlichen Schlaf erwacht. Ihre Arme heben sich schwach, um den geliebten Amor zu umfangen, während dieser sie zärtlich stützt.

Die verschlungenen Körper bilden eine perfekte Pyramide – ein Kontrapost der Gefühle, bei dem jede Linie zur emotionalen Spannung beiträgt. Das Spiel von Licht und Schatten auf dem polierten Marmor verstärkt die Intimität dieser Szene. Die Wegführung der Komposition zieht den Betrachter in einen kreisförmigen Rundgang um die Skulptur – jeder Blickwinkel offenbart neue Details, neue Facetten der Erzählung.

Die Flügel des Amor rahmen die Szene wie ein schützender Baldachin, während Psyches erwachende Geste eine aufsteigende Spiralbewegung andeutet. Zeitgenossen berichteten, dass Besucher oft minutenlang bewegungslos vor diesem Werk verweilten, gefangen in der dargestellten Emotionalität. Die Skulptur wurde zum Inbegriff romantischer Liebe in der bildenden Kunst und inspirierte Dichter, Musiker und Maler gleichermaßen.

Venus Victrix: Antonio Canovas Porträt der Pauline Bonaparte

Die Statue der Paolina Borghese als „Venus Victrix“ (1805-1808) zeigt Canovas diplomatisches Geschick. Napoleon Bonapartes Schwester ließ sich als siegreiche Venus darstellen – halbnackt auf einer Chaiselongue ruhend, den Apfel des Paris in der Hand.

Die Morbidezza, die samtige Weichheit der Marmoroberfläche, lässt die Haut lebendig erscheinen. Ein versteckter Drehmechanismus im Sockel ermöglichte es, die Skulptur bei Kerzenlicht rotieren zu lassen – ein theatralischer Effekt, der die klassische Form mit modernem Spektakel verband.

Diese Arbeit demonstrierte Canovas Fähigkeit, das Porträt einer lebenden Person mit mythologischer Idealität zu verschmelzen. Die entspannte Pose vermittelt gleichzeitig Würde und Sinnlichkeit – eine heikle Balance, die nur durch seine technische Meisterschaft zu erreichen war. Das Werk löste bei seiner Enthüllung einen Skandal aus, festigte aber gleichzeitig Canovas Ruf als Künstler, der die Grenzen des Darstellbaren erweiterte. Die Verbindung von realistischem Porträt und idealisiertem Götterkörper wurde zum Modell für zahlreiche spätere Darstellungen prominenter Persönlichkeiten.

Spätwerk und Ende der Karriere

Nach 1815 erreichte Canova den Gipfel seines Ruhms. Als päpstlicher Botschafter und Oberaufseher der Kunstschätze des Kirchenstaates führte er die Verhandlungen zur Rückführung der von Napoleon geraubten Kunstwerke aus Paris. Diese diplomatische Mission festigte seine Stellung als wichtigster Künstler Europas.

Der Vergleich mit seinem dänischen Rivalen Bertel Thorvaldsen fiel stets zu seinen Gunsten aus – während Thorvaldsen kühle Perfektion anstrebte, verstand es Canova, seinen Figuren Leben einzuhauchen. Zeitgenossen wie Francisco de Goya gingen derweil ganz andere Wege und kündigten mit expressiver Dramatik bereits die Romantik an. Seine Spätwerke zeichnen sich durch eine noch subtilere Behandlung des Marmors aus, eine noch raffiniertere psychologische Durchdringung der Themen.

Der „Schlafende Endymion“ von 1819-1822 zeigt diese Vollendung seines Stils – die entspannte Ruhe des schlafenden Jünglings, die weiche Modellierung des Körpers, die poetische Stimmung der Gesamtkomposition. Trotz seiner zahlreichen öffentlichen Verpflichtungen blieb Canova bis zum Ende produktiv und experimentierfreudig.

Seine letzten Lebensjahre waren von der Sorge um sein künstlerisches Erbe geprägt – er organisierte seine Werkstatt, katalogisierte seine Modelle und plante das Museum in Possagno, das seine Gipsmodelle der Nachwelt erhalten sollte.

Das Grabmal Maria Christina und die Allegorie des Todes

Das Grabmal für Erzherzogin Maria Christina von Österreich in der Wiener Augustinerkirche (1798-1805) revolutionierte die Grabmalkunst. Anstatt die Verstorbene darzustellen, schuf Canova eine universelle Allegorie der Trauer. Eine Prozession von Trauernden schreitet auf eine dunkle Pyramide zu – das Tor zur Ewigkeit. Die gebeugte Gestalt der Barmherzigkeit führt eine blinde Greisin, während ein geflügelter Genius seine Fackel senkt.

Dieses Denkmal wurde zum Vorbild für die Grabmalkunst des 19. Jahrhunderts – unter anderem inspirierte es das Grabmal für Canova selbst in der venezianischen Frari-Kirche, das seine Schüler nach demselben pyramidalen Entwurf errichteten. Die Wegführung der trauernden Figuren erzeugt eine narrative Sequenz – vom Leben durch den Tod zur Ewigkeit. Die Pyramidenform, inspiriert von antiken Grabmälern, verleiht dem Monument eine zeitlose Würde.

Besonders bemerkenswert ist die differenzierte Darstellung der Trauernden. Jede Figur repräsentiert eine andere Facette der Trauer, von stiller Resignation bis zu tiefem Schmerz. Das Portrait der Maria Christina selbst erscheint nur als Medaillon, getragen von der Allegorie der Glückseligkeit – eine radikale Abkehr von der barocken Tradition pompöser Grabdenkmäler. Dieses Werk beeinflusste die europäische Sepulkralkunst nachhaltig und wurde in unzähligen Variationen kopiert und adaptiert.

Antonio Canovas Stilmerkmale

Canovas unverwechselbarer Stil entwickelte sich aus der bewussten Abgrenzung zum theatralischen Barock eines Gian Lorenzo Bernini. Wo Bernini Ekstase und Bewegung suchte, fand Canova die Kraft in der Ruhe. Seine ästhetische Philosophie basierte auf der Überzeugung, dass wahre Schönheit aus der Harmonie von Form, Proportion und emotionaler Wahrhaftigkeit entsteht.

Diese Prinzipien setzte er mit einer technischen Perfektion um, die seine Zeitgenossen in Erstaunen versetzte. Der Tanz zwischen klassischer Zurückhaltung und moderner Sensibilität, zwischen idealer Form und psychologischer Tiefe charakterisiert sein gesamtes Schaffen. Seine Figuren zeichnen sich durch eine außergewöhnliche anatomische Präzision aus, die er durch intensives Studium am lebenden Modell erreichte. Dabei ging es ihm nie um bloße Nachahmung der Natur – er idealisierte und verfeinerte, bis jede Proportion dem klassischen Schönheitsideal entsprach.

Die emotionale Ausdruckskraft seiner Werke liegt oft in kleinsten Details: ein leicht geöffneter Mund, die Spannung in den Fingerspitzen, der Schwung eines Gewandes. Seine Kompositionen folgen klaren geometrischen Prinzipien – Dreiecke, Pyramiden und Spiralen strukturieren die Figurengruppen. Diese mathematische Harmonie verbindet er mit einer fast übernatürlichen Beherrschung des Materials. Der Marmor scheint unter seinen Händen weich zu werden, Haut wirkt durchscheinend, Stoffe fallen in natürlichen Falten, Haare scheinen sich im Wind zu bewegen.

Die tanzende Leichtigkeit seiner Figuren steht im Kontrast zur massiven Schwere des Marmors – eine Paradoxie, die seine technische Virtuosität unterstreicht. Besonders charakteristisch ist seine Behandlung von Licht und Schatten. Durch die sorgfältige Politur lenkt er das Licht so über die Oberflächen, dass eine lebendige, atmende Qualität entsteht. Jede Skulptur ist für die Betrachtung aus multiplen Perspektiven konzipiert – ein Rundgang offenbart ständig neue Ansichten und Interpretationsmöglichkeiten.

Techniken und Materialien

Canova Technik Marmorbearbeitung folgte einem präzise entwickelten mehrstufigen Prozess, der seine Werkstatt zur effizientesten Produktionsstätte für Skulpturen in Europa machte. Diese systematische Arbeitsweise ermöglichte es ihm, die künstlerische Qualität bei gleichzeitig hoher Produktivität zu gewährleisten.

Sein methodisches Vorgehen revolutionierte die Bildhauerei und wurde zum Standard für alle nachfolgenden Generationen von Steinbildhauern. Die Dokumentation seiner Techniken durch Schüler und Besucher bietet einen einzigartigen Einblick in die Werkstattpraxis eines Künstlers auf dem Höhepunkt seines Schaffens. Zunächst fertigte er kleine Skizzen und ein Bozzetto an – ein kleines Tonmodell, in dem er die Komposition erprobte. Daraus entstand ein lebensgroßes Tonmodell, von dem seine Assistenten, darunter der begabte Adamo Tadolini, einen Gipsabguss (Gesso) herstellten.

Mittels des Puntierverfahrens – einem System von Messpunkten – übertrugen spezialisierte Handwerker die Proportionen auf den Marmorblock. Doch die entscheidende Phase war die „ultima mano“, die letzte Hand des Meisters. Canova selbst vollendete jede Skulptur persönlich, arbeitete die feinsten Details aus und verlieh der Oberfläche durch stundenlanges Polieren mit Bimsstein und Wachs ihre charakteristische Morbidezza. Diese samtige Oberflächenbehandlung unterschied seine Werke fundamental von der körnigen Textur antiker Statuen. Für seine Gipsmodelle und Gipsabgüsse unterhielt er ein eigenes Archiv – die Gipsoteca Canoviana in Possagno bewahrt noch heute diese Arbeitsstadien.

Die Auswahl des Marmors erfolgte mit größter Sorgfalt. Canova bevorzugte den reinweißen Marmor aus den Steinbrüchen von Carrara, den er persönlich auswählte und auf Risse oder Verfärbungen prüfte. Seine Werkstatt beschäftigte zeitweise über zwanzig Mitarbeiter, von Steinmetzen über Gipsformer bis zu Polierern, jeder spezialisiert auf bestimmte Arbeitsschritte. Diese Arbeitsteilung ermöglichte eine beispiellose Produktivität, ohne dass die künstlerische Qualität litt – denn die entscheidenden Phasen blieben stets in Canovas Hand. Abbildungen und technische Zeichnungen dokumentierten jeden Arbeitsschritt und dienten der Ausbildung seiner Schüler. Die Weitergabe seines technischen Wissens war ihm ebenso wichtig wie die künstlerische Hinterlassenschaft.

Canovas Einfluss und Vermächtnis

Canovas Bedeutung für die europäische Kunst reicht weit über seine eigenen Werke hinaus. Als Theoretiker, Lehrer und kulturpolitischer Akteur prägte er die Kunstlandschaft seiner Zeit nachhaltig. Sein Einfluss erstreckte sich von der praktischen Ausbildung junger Bildhauer über die Formulierung ästhetischer Prinzipien bis zur aktiven Gestaltung der europäischen Kulturpolitik.

Die Verbindung von künstlerischer Exzellenz und institutioneller Macht, die er verkörperte, wurde zum Modell für das moderne Verständnis des Künstlers als öffentliche Figur. Seine Netzwerke umspannten ganz Europa und schufen eine internationale Gemeinschaft von Künstlern, Sammlern und Mäzenen, die seine Vision des Klassizismus teilten. Das Studium seiner erhaltenen Korrespondenz offenbart einen Künstler, der sich seiner historischen Bedeutung bewusst war und gezielt an der Konstruktion seines eigenen Nachruhms arbeitete.

Antonio Canova und Bertel Thorvaldsen: Meister des Neoklassizismus im Vergleich

Der künstlerische Dialog zwischen Canova und dem dänischen Bildhauer Bertel Thorvaldsen prägte die europäische Skulptur des frühen 19. Jahrhunderts. Während Thorvaldsen in Rom als Canovas größter Konkurrent galt, entwickelten beide unterschiedliche Interpretationen des klassischen Ideals. Thorvaldsens Werke strahlen eine kühle, fast mathematische Perfektion aus – seine Figuren wirken wie aus der Zeit gefallen, zeitlos und unberührbar. Canova hingegen hauchte seinen Skulpturen eine Wärme ein, die den Betrachter emotional berührt.

Diese Rivalität war jedoch produktiv. Beide Künstler spornte der Wettbewerb zu Höchstleistungen an. Ihre unterschiedlichen Ansätze demonstrierten die Bandbreite möglicher Interpretationen der Antike. Sammler und Kritiker diskutierten leidenschaftlich die Vorzüge beider Meister – eine Debatte, die wesentlich zur theoretischen Durchdringung des Klassizismus beitrug. Während Thorvaldsen seine Figuren mit einer archäologischen Präzision gestaltete, die der antiken Formensprache möglichst nahekommen sollte, erlaubte sich Canova größere interpretatorische Freiheiten. Seine Figuren atmen, fühlen, leben – Thorvaldsens Statuen verharren in marmorner Ewigkeit. 

Diese Unterschiede spiegeln auch verschiedene philosophische Positionen wider. Thorvaldsens Werk entspricht einem aufklärerischen Rationalismus, Canovas Skulpturen antizipieren bereits die romantische Sensibilität. Historisch gesehen gewann Canova den Wettbewerb um die zeitgenössische Gunst, doch Thorvaldsens Einfluss auf die akademische Bildhauerei des 19. Jahrhunderts sollte sich als nachhaltiger erweisen.

Die Schulbildung und das Erbe der Werkstatt

Nach Canovas Tod 1822 führten seine Schüler, allen voran Adamo Tadolini und Cincinnato Baruzzi, seine Werkstatt fort. Sie vollendeten unfertige Arbeiten und schufen neue Werke nach seinen erhaltenen Modellen. Die Methode der Werkstattorganisation mit ihrer klaren Arbeitsteilung wurde zum Vorbild für Bildhauerwerkstätten in ganz Europa. Die Sammlung seiner Gipsabgüsse, heute in der Gipsoteca Canoviana in Possagno und im Museo Correr in Venedig, dient noch immer als Lehrmaterial für das Studium klassischer Proportionen.

Seine pädagogischen Prinzipien – die Verbindung von praktischem Handwerk, anatomischem Studium und theoretischer Reflexion – prägten die Lehrpläne der Kunstakademien. Ehemalige Schüler verbreiteten seine Methoden in ihren Heimatländern und begründeten eigene Schulen.

Der Sammler Jayme Baglietto erwarb mehrere Gipsmodelle aus der Werkstatt und trug so zur Verbreitung von Canovas Formensprache bei. Die systematische Dokumentation seiner Arbeitsprozesse durch Abbildungen und schriftliche Aufzeichnungen ermöglichte es nachfolgenden Generationen, seine Techniken zu rekonstruieren und weiterzuentwickeln. Besonders seine Methode der Oberflächenbehandlung, die dem Marmor eine lebendige Qualität verlieh, wurde intensiv studiert und nachgeahmt. Die Kontinuität seiner Werkstatt über seinen Tod hinaus sicherte die Vollendung wichtiger Aufträge und bewahrte sein technisches Wissen vor dem Vergessen.

Einfluss auf die Kunstgeschichte und Nachwirkung

Canovas Einfluss reichte weit über die Bildhauerei hinaus. Seine Interpretation antiker Mythen prägte die Ikonografie des 19. Jahrhunderts. Maler wie Jacques-Louis David und die akademische Tradition griffen seine Kompositionen auf. Die Porträts bedeutender Zeitgenossen – von Papst Pius VII. bis Napoleon – setzten neue Standards für die offizielle Darstellung von Machthabern. 

Seine theoretischen Schriften über die Kunst, gesammelt in der Bibliotheca Canoviana, beeinflussten die Kunstlehre an den Akademien. Museen von Berlin über Heidelberg bis Neustrelitz erwarben seine Werke oder Abgüsse davon. Die Verbreitung seiner Arbeiten durch Stiche und später Fotografien (heute im Archiv der Fotoquelle Herzog August Bibliothek) machte seinen Stil zum internationalen Standard des guten Geschmacks.

Seine Konzeption der Ausstellungsarchitektur – die Platzierung von Skulpturen in eigens gestalteten Räumen mit kontrollierter Beleuchtung – revolutionierte die Museumspraxis. Die Wegführung der Besucher durch seine inszenierten Präsentationen wurde zum Modell für moderne Ausstellungsgestaltung. Seine diplomatischen Bemühungen um die Restitution von Kunstwerken nach den napoleonischen Kriegen begründeten das moderne Verständnis von Kulturgut als schützenswertem Erbe der Menschheit. 

In der Literatur inspirierten seine Werke Dichter wie Goethe, Stendhal und Byron zu lyrischen Beschreibungen und philosophischen Reflexionen über das Wesen der Schönheit. Die Rezeption seiner Kunst veränderte sich über die Jahrhunderte. Während das 19. Jahrhundert seine technische Perfektion bewunderte, schätzt die Moderne die psychologische Tiefe und emotionale Unmittelbarkeit seiner Figuren. Aktuelle kunsthistorische Forschung untersucht zunehmend seine Rolle als Kulturmanager und Netzwerker, der die institutionellen Strukturen der europäischen Kunstwelt nachhaltig prägte.

Antonio Canovas Platz in der Kunstgeschichte

Der entscheidende Beitrag Canovas zur Kunstgeschichte liegt in einem scheinbaren Widerspruch. Er schuf Werke von klassischer Strenge, die gleichzeitig zutiefst emotional berühren. Während andere Klassizisten die Antike als kaltes Ideal verehrten, fand er einen Weg, dem weißen Marmor Wärme und Leben einzuhauchen. Seine Technik der Oberflächenbehandlung – die berühmte Morbidezza – war dabei mehr als handwerkliche Virtuosität. Sie war das Mittel, um eine Brücke zwischen dem zeitlosen Ideal und dem lebendigen Augenblick zu schlagen.

Sein wahres Vermächtnis zeigt sich weniger in den Kopien seiner Werke als in der Idee, dass Skulptur Geschichten erzählen kann – durch die Wahl des richtigen Moments, durch die Führung des Betrachterblicks, durch das Zusammenspiel von Form und Emotion. Diese narrative Kraft seiner Arbeiten machte den Klassizismus für ein breites Publikum zugänglich und bewies, dass antike Ideale und moderne Empfindsamkeit kein Widerspruch sein müssen. Antonio Canova starb am 13. Oktober 1822 in Venedig im Alter von 64 Jahren.

QUICK FACTS

• 1757-1779: Geboren in Possagno, frühe Ausbildung bei Großvater Pasino Canova und Giuseppe Bernardi-Torretti in Venedig, erste Erfolge mit „Orpheus und Eurydike“ sowie „Daedalus und Ikarus“
• 1779-1787: Übersiedelung nach Rom durch Förderung von Senator Zulian, Durchbruch mit „Theseus und der Minotaurus“, Beginn der Arbeit am Grabmal für Papst Clemens XIV.
• 1787-1800: Internationale Anerkennung durch „Psyche und Amor“, Aufträge für Grabdenkmäler und mythologische Gruppen, Etablierung der Werkstatt in Rom
• 1800-1810: Schöpfung der Hauptwerke „Perseus mit dem Haupt der Medusa“, „Venus Victrix“ (Pauline Bonaparte), verschiedene Versionen der „Hebe“ und „Drei Grazien“
• 1810-1815: Arbeiten für Napoleon und den europäischen Adel, „Tänzerin mit den Fingerzimbeln“, Marmorstatue „Napoleon als Mars“, zunehmende diplomatische Tätigkeiten
• 1815-1822: Ernennung zum päpstlichen Oberaufseher, erfolgreiche Rückführung geraubter Kunstschätze aus Paris, Spätwerke wie „Der schlafende Endymion“, Vollendung der Werkstatt-Organisation