Giorgione

Die künstlerische Laufbahn Giorgiones erstreckte sich über kaum mehr als ein Jahrzehnt, doch in dieser kurzen Zeitspanne vollzog er einen stilistischen Wandel, der die venezianische Malerei für immer prägen sollte. Von den klaren Linien seiner Lehrzeit bis zur atmosphärischen Verschmelzung von Figur und Landschaft entwickelte er eine völlig neue Art des malerischen Erzählens.

Frühe Phase und Ausbildung in Venedig

Giorgio Barbarelli, wie er mit bürgerlichem Namen hieß, kam aus der kleinen Stadt Castelfranco Veneto nach Venedig. In der Werkstatt Giovanni Bellinis, des unangefochtenen Großmeisters der venezianischen Malerei, lernte der junge Künstler zunächst die traditionelle Temperamalerei. Bellini vermittelte ihm die Grundlagen der perspektivischen Konstruktion und die Kunst, religiöse Themen mit menschlicher Wärme zu durchdringen. Doch schon bald zeigte sich, dass der Schüler eigene Wege gehen würde.

Lehrjahre bei Bellini und Giorgiones erste eigene Wege

In Bellinis Werkstatt herrschte eine Atmosphäre des Experimentierens. Der alte Meister hatte selbst gerade die Ölmalerei aus den Niederlanden übernommen und erforschte ihre Möglichkeiten. Giorgione sog diese Neuerungen begierig auf, ging aber schnell darüber hinaus. Während Bellini seine Figuren noch klar konturierte, begann Giorgione, die Umrisse aufzulösen. Er malte senza disegno – ohne detaillierte Vorzeichnung –, was für seine Zeitgenossen eine kleine Revolution darstellte. Diese Technik erlaubte ihm, direkt mit Farbe zu modellieren und Formen aus dem Zusammenspiel von Licht und Schatten entstehen zu lassen.

Das Castelfranco-Altarbild als Wendepunkt

Um 1505 schuf Giorgione für den Duomo seiner Heimatstadt die Castelfranco-Madonna, eine Pala (Altarbild), die seinen Durchbruch markierte. Das Werk zeigt die thronende Madonna mit dem Kind, flankiert vom heiligen Franziskus und dem geharnischten heiligen Liberale. Was dieses Altarbild so besonders macht, ist die Öffnung des Raums. Statt des traditionellen Goldgrunds malte Giorgione eine weite Landschaft, die sich hinter den Heiligen erstreckt. Die Figuren scheinen nicht mehr vor einer Wand zu stehen, sondern in einem realen, atmenden Raum zu existieren. Herzog Trifone Costanzo, der das Werk in Auftrag gab, erhielt damit nicht nur ein Andachtsbild, sondern ein Fenster in eine andere Welt.

Durchbruch und Hauptwerke

Nach 1505 entfaltete sich Giorgiones Kunst in eine Richtung, die seine Zeitgenossen gleichermaßen faszinierte und verwirrte. Er schuf Bilder ohne eindeutige Erzählung, ohne literarische Vorlage – pure Poesia, Malerei als lyrisches Gedicht. Diese Phase seines Schaffens brachte seine rätselhaftesten und zugleich faszinierendsten Kunstwerke hervor.

Das Gewitter und die Geburt der Stimmungsmalerei

„Das Gewitter„, heute in den Gallerie dell’Accademia in Venedig, verkörpert Giorgiones neue Art des Erzählens perfekt. Eine nackte Frau stillt ihr Kind, während ein junger Mann mit Stab sie von der anderen Seite eines Bachs betrachtet. Über der Szene braut sich ein Gewitter zusammen, ein Blitz erhellt die Stadt im Hintergrund. Was geschieht hier? Niemand weiß es mit Sicherheit. Giorgio Vasari über Giorgione schreibend, erwähnte später, dass der Künstler oft Bilder malte, deren Bedeutung er selbst seinen engsten Freunden nicht erklärte. Das Bild erzählt keine bekannte Geschichte, es evoziert eine Stimmung – die elektrische Spannung vor dem Sturm, die geheimnisvolle Begegnung zweier Menschen, das Gefühl des Ausgesetztseins in der Natur.

Die Rolle der humanistischen Kreise Venedigs

Giorgiones rätselhafte Bildthemen entstanden nicht im luftleeren Raum. Er verkehrte in den kultivierten Kreisen venezianischer Patrizier, wo man sich für neuplatonische Philosophie, antike Dichtung und die Mysterien der Alchemie begeisterte. Die „Drei Philosophen“ im Kunsthistorischen Museum Wien spiegeln diese intellektuelle Atmosphäre wider. Drei Männer unterschiedlichen Alters, möglicherweise die drei Lebensalter oder drei Weisheitstraditionen darstellend, studieren vor einer Höhle. Giorgione und der venezianische Kolorismus verbanden sich hier mit philosophischer Tiefe zu einem Bildnis des menschlichen Erkenntnissstrebens. Diese gelehrten Gäste seiner Auftraggeber beeinflussten seine Themenwahl nachhaltig und trugen zur Entstehung einer ganzen Reihe intellektuell anspruchsvoller Kompositionen bei.

Die letzten Schaffensjahre

Die letzten Jahre von Giorgiones kurzem Leben waren von intensiver Produktivität und fruchtbarer Zusammenarbeit geprägt. Besonders die Verbindung zu dem jungen Tizian, der zeitweise in seiner Werkstatt arbeitete, prägte beide Künstler nachhaltig.

Giorgiones Zusammenarbeit mit Tizian und die Frage der Autorschaft

Die „Schlafende Venus“ in Dresden zeigt exemplarisch die Verflechtung der beiden Künstlerhandschriften. Giorgione begann das Werk um 1510, doch sein plötzlicher Tod verhinderte die Vollendung. Tizian, sein begabtester Mitarbeiter und Freund, vollendete die Landschaft im Hintergrund. Die schlummernde Göttin, deren Körper sich harmonisch in die Hügellandschaft fügt, wurde zum Urbild des liegenden weiblichen Akts. Das Pastoralkonzert im Louvre wirft ähnliche Fragen auf. Lange Giorgione zugeschrieben, sehen viele Experten heute Tizians Hand am Werk, möglicherweise eine posthume Vollendung oder eigenständige Weiterführung von Giorgiones Ideen.

Die Fresken am Fondaco dei Tedeschi

1508 erhielt Giorgione den prestigeträchtigen Auftrag, die Fassade des neu errichteten Fondaco dei Tedeschi, des deutschen Handelshauses am Canal Grande, mit Fresken zu schmücken. Tizian assistierte ihm dabei. Von diesen Werken sind heute nur noch Fragmente erhalten, doch Zeitgenossen berichteten begeistert von den lebensgroßen Figuren, die wie lebendige Menschen aus der Wand zu treten schienen. Diese öffentliche Arbeit machte Zorzo, wie ihn die Venezianer nannten, endgültig zu einem der gefragtesten Künstler der Stadt. Unter den Besuchern des Dogenpalastes verbreitete sich schnell der Ruhm dieser monumentalen Arbeiten, die das Erscheinungsbild der Stadt prägten.