Die künstlerische Laufbahn von Marina Abramović lässt sich als eine schrittweise Radikalisierung lesen. Von der Malereistudentin in Belgrad über die Partnerschaft mit Ulay bis hin zur weltweit ausstellenden Performancekünstlerin verlief ihr Weg stets entlang einer zentralen Frage, nämlich wie weit der Körper als Medium der Kunst belastbar ist und was in diesen Momenten der Belastung zwischen Künstlerin und Betrachter entsteht.

Prägung durch Herkunft und politisches Umfeld in Jugoslawien

Marina Abramovićs Kindheit im kommunistischen Jugoslawien hat ihre Kunst tief geprägt. Ihre Eltern waren Partisanen im Zweiten Weltkrieg und galten im Nachkriegs-Jugoslawien als Nationalhelden. Ihr Vater war ein hochdekorierter Offizier, ihre Mutter leitete später vermutlich das Museum der Revolution in Belgrad. Der Haushalt war von militärischer Strenge und ideologischer Disziplin bestimmt. Abramović beschrieb die Erziehung durch ihre Mutter wiederholt als rigide und kontrollierend, mit festen Regeln für jeden Aspekt des täglichen Lebens, bis hin zur Uhr, nach der sie abends zu Hause sein musste.

Studium in Belgrad und Zagreb

Trotz dieser strengen Umgebung fand Abramović an der Akademie der Bildenden Künste in Belgrad zur Malerei und setzte ihre Ausbildung anschließend in Zagreb fort. Schon während des Studiums interessierte sie sich weniger für die Leinwand als für Konzeptkunst (also Kunst, bei der die Idee wichtiger ist als das fertige Objekt), für Rituale und körperliche Erfahrung. Man kann sich vorstellen, wie ungewöhnlich das in einem akademischen Umfeld war, das noch stark von traditioneller Malerei geprägt war. Doch die Disziplin, die ihre Mutter ihr eingetrichtert hatte, wurde paradoxerweise zum Fundament ihrer späteren Ausdauerperformances, jener stundenlangen Arbeiten, in denen Konzentration und Schmerztoleranz das eigentliche Kunstmaterial sind.

Die Rhythm-Serie als körperlicher Grenzgang

Anfang der 1970er-Jahre begann Abramović mit Performances, die ihren Körper extremen Situationen aussetzten. Die Rhythm-Serie wurde zum Ausgangspunkt ihres gesamten Werks. In Rhythm 10 stach sie mit Messern zwischen ihre gespreizten Finger, wobei sie den Vorgang aufnahm und anschließend versuchte, jede Verletzung exakt zu wiederholen. In Rhythm 0 in Neapel stellte sie sich als völlig passive Figur vor das Publikum und legte 72 Gegenstände auf einen Tisch, darunter eine Rose, eine Feder, aber auch ein Messer und eine geladene Pistole. Die Besucher durften sechs Stunden lang alles mit ihr tun. Die Performance endete erst, als ein Zuschauer ihr die Pistole an den Kopf hielt. Was dort sichtbar wurde, war kein inszenierter Schock, sondern eine Erfahrung darüber, wie schnell Menschen Grenzen überschreiten, wenn ihnen niemand Einhalt gebietet.

Marina Abramović und Ulay, Beziehung als künstlerisches Material

1976 begann eine Partnerschaft, die das Konzept der Performancekunst um eine neue Dimension erweiterte. Der deutsche Künstler Ulay (Frank Uwe Laysiepen) und Abramović lebten gemeinsam in einem Citroën-Van, ohne festen Wohnsitz, und machten ihre Beziehung selbst zum Gegenstand ihrer Kunst. Was sie verband, war ein gemeinsames Interesse an der Frage, wo die Grenze zwischen zwei Menschen verläuft und was passiert, wenn man diese Grenze auf die Probe stellt.

Vertrauen, Verletzlichkeit und Imponderabilia

In Relation in Space, aufgeführt auf der 37. Biennale von Venedig, rannten beide immer wieder nackt aufeinander zu, prallten zusammen und wiederholten den Vorgang über eine Stunde. In Imponderabilia standen sie sich nackt in einem schmalen Türrahmen gegenüber, sodass Besucher sich seitlich zwischen ihnen hindurchzwängen mussten und dabei entscheiden mussten, wem sie ihr Gesicht zuwandten. Rest Energy im De Appel Arts Centre in Amsterdam war vielleicht die konzentrierteste Arbeit der beiden. Ulay hielt einen gespannten Bogen, dessen Pfeil direkt auf Abramovićs Herz zielte. Beide lehnten sich in entgegengesetzte Richtungen, sodass nur die Spannung des Bogens sie im Gleichgewicht hielt. Über vier Minuten lang war ein Mikrofon an ihren Herzen befestigt. Man hörte die Herzschläge schneller werden. Die Verletzlichkeit beider Körper wurde in diesem Moment physisch erfahrbar, nicht als Metapher, sondern als reale Gefahr.

Die Chinesische Mauer als Abschied

Nach über einem Jahrzehnt gemeinsamer Arbeit zerbrach die Beziehung. Den Abschluss gestalteten beide als Performance, die so symbolträchtig war wie ihre gesamte Zusammenarbeit. 1988 gingen sie von entgegengesetzten Enden der Chinesischen Mauer los, jeder legte etwa 2.500 Kilometer zurück, und trafen sich nach 90 Tagen in der Mitte. Dort verabschiedeten sie sich. Die Marina Abramović Chinesische Mauer Performance war ursprünglich als Hochzeitsprojekt geplant gewesen. Dass daraus ein Abschied wurde, veränderte die Bedeutung des Werks grundlegend. Es wurde zu einer der bekanntesten Trennungsgeschichten der Kunstwelt.

Solo-Karriere nach Ulay und Rückkehr zur Balkan-Identität

Die Jahre nach der Trennung von Ulay waren für Abramović eine Phase der Neuorientierung. Ohne den Partner musste sie sich künstlerisch neu definieren. Statt weiterhin die Dynamik zwischen zwei Körpern zu untersuchen, wandte sie sich stärker ihrer eigenen Biografie zu, ihrer Herkunft aus dem zerfallenden Jugoslawien und den Konflikten, die den Balkan in den 1990er-Jahren erschütterten.

Balkan Baroque als politisches und persönliches Werk

Die Installation Balkan Baroque auf der Biennale von Venedig 1997 war der eindrücklichste Ausdruck dieser Auseinandersetzung. Abramović saß in einem weißen Kleid auf einem Haufen aus 1.500 blutigen Tierknochen und schrubbte sie über vier Tage hinweg mit einer Bürste. Der Geruch verwesenden Fleisches füllte den Raum. Gleichzeitig liefen auf Bildschirmen Videos ihrer Eltern, ihres Vaters und ihrer Mutter, die von ihrer Vergangenheit als Partisanen erzählten. Die Arbeit verband persönliche Familiengeschichte mit dem kollektiven Trauma der Balkankriege. Für Balkan Baroque erhielt Abramović den Goldenen Löwen, die höchste Auszeichnung der Biennale.

Die Wiederaufführung als künstlerische Praxis

Ein zentrales Problem der Performancekunst ist ihre Vergänglichkeit. Eine Performance existiert nur im Moment ihrer Aufführung, sie ist ephemere Kunst (also Kunst, die von Natur aus flüchtig ist und kein bleibendes Objekt hinterlässt). Was davon übrig bleibt, sind Fotos, Videos und sogenannte transitorische Objekte, also Relikte der Aufführung, die später in Museen gezeigt werden. Abramović stellte sich diesem Problem direkt.

Seven Easy Pieces und die Frage der Überlieferung

2005 führte sie im Guggenheim Museum in New York das Projekt Seven Easy Pieces auf. An sieben aufeinanderfolgenden Abenden wiederholte sie historische Performances anderer Künstler, darunter Arbeiten von Vito Acconci, Bruce Nauman, Gina Pane und Joseph Beuys, sowie zwei eigene Stücke. Dieses Re-Enactment (die Wiederaufführung einer historischen Performance) war eine gezielte Auseinandersetzung mit der Frage, wie Performancekunst über den Moment hinaus bewahrt werden kann. Abramović argumentierte, dass eine Performance, ähnlich einem Musikstück, von anderen Körpern aufgeführt werden müsse, um lebendig zu bleiben. Damit eröffnete sie eine Debatte über Autorenschaft, Dokumentation und die Rolle von Fotografie und Video als eigenständige Kunstformen innerhalb der Performancepraxis.

The Artist Is Present und der Weg zur Ikone

Die große Retrospektive im Museum of Modern Art in New York 2010 markierte einen Wendepunkt in der öffentlichen Wahrnehmung von Abramovićs Werk. Während im MoMA Dokumentationen, Zeichnungen und Videos aus vier Jahrzehnten gezeigt wurden, saß die Künstlerin selbst im Atrium des Museums und führte die Performance The Artist Is Present auf.

736 Stunden Stille im MoMA

Die Aufgabe war denkbar einfach. Abramović saß auf einem Stuhl, ihr gegenüber ein leerer Stuhl. Besucher konnten sich hinsetzen und ihr in die Augen blicken, so lange sie wollten. Kein Wort, keine Berührung, nur zwei Gesichter und die Dauer des Blicks. Über knapp drei Monate hinweg saß sie insgesamt 736 Stunden im Museum. Rund 1.500 Besucher setzten sich ihr gegenüber, manche weinten, manche lächelten, manche blieben Minuten, andere Stunden. Die Gesamtzahl der Ausstellungsbesucher lag bei über 750.000. Die Marina Abramović The Artist Is Present Performance wurde zum kulturellen Ereignis weit über die Kunstwelt hinaus. Sie zeigte, dass Performancekunst kein Nischenphänomen sein muss, sondern ein breites Publikum emotional erreichen kann, wenn die Situation stimmt.

Stilmerkmale von Marina Abramović und ihre Performance Kunst

Die Stilmerkmale von Marina Abramović lassen sich am besten verstehen, wenn man sich klarmacht, dass sie klassische Materialien wie Farbe, Leinwand oder Bronze durch etwas viel Unmittelbareres ersetzt hat, nämlich den eigenen Körper. Dieser Körper wird bewusst Schmerz, Müdigkeit und Erschöpfung ausgesetzt, wobei die Belastung kein Selbstzweck ist, sondern ein Mittel, um einen Zustand gesteigerter Aufmerksamkeit und Achtsamkeit zu erreichen. Ein zweites wesentliches Merkmal ist die Einbindung des Publikums als aktiven Teil der Arbeit. In Rhythm 0 bestimmten die Besucher den Verlauf der Performance, in The Artist Is Present waren sie gleichberechtigte Partner im Moment der Begegnung.

Hinzu kommt die extreme Dauer vieler Arbeiten. Performances über Stunden oder Tage verändern die Wahrnehmung aller Beteiligten und erzeugen einen Zustand, den Abramović selbst mit rituellen Praktiken vergleicht. Viele ihrer Werke erinnern tatsächlich an Rituale, an Handlungen, die durch Wiederholung, Stille und Konzentration eine eigene Intensität entwickeln. Diese Verbindung von Body Art (also Kunst, die den Körper als zentrales Medium nutzt) und Endurance Art (Ausdauerkunst, bei der die zeitliche Belastung zum Werkstoff wird) macht ihren Stil unverwechselbar.

Techniken und Materialien

Marina Abramović arbeitet mit Performance, Video, Installation und Fotografie, wobei der eigene Körper das zentrale Medium bleibt. In ihren frühen Arbeiten setzte sie konkrete Gegenstände ein, Messer in Rhythm 10, die 72 Objekte in Rhythm 0, Tierknochen in Balkan Baroque, die jeweils symbolisch aufgeladen waren. In späteren Werken reduzierte sie die Mittel radikal. Für The Artist Is Present brauchte sie nur zwei Stühle und einen Tisch, später nicht einmal den. Diese Reduktion ist kein Zufall, sondern Konzept. Je weniger äußere Hilfsmittel vorhanden sind, desto stärker tritt die unmittelbare Erfahrung in den Vordergrund.

Vom Opernprojekt über Callas bis zur Abramović-Methode

Neben der Live-Performance hat Abramović Bühnenprojekte entwickelt, darunter ein Opernprojekt, das sich mit dem Leben von Maria Callas beschäftigte. In der Dokumentation ihrer Arbeiten spielen Fotografie und Video eine eigenständige Rolle, sie sind nicht bloße Aufzeichnung, sondern werden selbst zu Kunstwerken, die das Ephemere der Performance in eine dauerhafte Form übersetzen. In jüngeren Arbeiten untersucht sie Methoden der Meditation und körperlichen Konzentration als Bestandteil ihrer künstlerischen Praxis, gebündelt in der sogenannten Abramović-Methode, die in Workshops und im Marina Abramović Institute vermittelt wird.

Abramovićs Einfluss und Vermächtnis

Marina Abramović hat die Performancekunst aus einem Kontext herausgelöst, in dem sie vor allem von Eingeweihten wahrgenommen wurde, und in die großen Institutionen der Kunstwelt gebracht. Ihre Retrospektive im MoMA bewies, dass Performancekunst museumstauglich sein kann, ohne ihre Radikalität zu verlieren.

Rezeption, Kritik und die Abramović-Methode

Die Rezeption von Abramovićs Werk war nie einhellig. Kritiker warfen ihr vor allem in den späteren Jahren vor, sich zu sehr als Marke zu inszenieren und die Grenze zwischen Kunst und Selbstvermarktung zu verwischen. Die Zusammenarbeit mit Prominenten und Modehäusern wurde kontrovers diskutiert. Andere sahen darin einen konsequenten Schritt, Performancekunst einem breiteren Bewusstsein zugänglich zu machen.

Die Abramović-Methode, ein System aus Konzentrationsübungen, Stille und körperlicher Ausdauer, wird heute in Workshops weltweit vermittelt. Teilnehmer werden durch einfache Übungen geführt, die Wahrnehmung und Zeitgefühl verändern sollen. Das Marina Abramović Institute widmet sich der Erforschung und Vermittlung dieser Praxis. Die Methode zeigt, dass Abramovićs Einfluss über einzelne Werke hinausreicht und in pädagogische und therapeutische Bereiche ausstrahlt.

Wirkung auf jüngere Künstlerinnen und Künstler

Abramovićs Arbeiten haben eine ganze Generation von Performancekünstlern beeinflusst, die sich mit Fragen von Körper, Raum und Publikumsbeteiligung beschäftigen. Künstlerinnen wie Tino Sehgal oder Anne Imhof, die 2017 den Goldenen Löwen der Biennale von Venedig erhielt, arbeiten in einem Feld, das Abramović mit vorbereitet hat. Sehgals Performances im Museum, bei denen Besucher mit lebenden Darstellern interagieren, wären ohne Abramovićs Vorarbeit kaum denkbar. Die Vorstellung, dass eine Performance im Museum genauso viel Aufmerksamkeit verdient wie ein Gemälde, hat Abramović mit durchgesetzt.

Auch die Frage, wie Performancekunst dokumentiert und überliefert werden kann, wurde durch ihre Re-Enactment-Praxis zu einem zentralen Thema der zeitgenössischen Kunsttheorie. Institutionen wie die Kunsthalle Wien, das Kunsthaus Zürich, die Albertina, die Serpentine Gallery in London und das Kunstforum haben Abramovićs Arbeiten in großen Ausstellungen gezeigt und damit die museale Akzeptanz der Performancekunst weiter gefestigt.

Marina Abramović Platz in der Kunstgeschichte

Marina Abramovićs Beitrag zur Kunstgeschichte liegt in der Verschiebung dessen, was als Kunstwerk gelten kann. Während Vorläufer wie Fluxus (eine experimentelle Kunstbewegung der 1960er-Jahre) und Happenings (offene Kunstereignisse ohne festes Skript) den Boden bereiteten, war Abramović eine der ersten, die Performancekunst als eigenständige, gleichwertige Disziplin in den Institutionen verankerte. Ihre Arbeiten beeinflussten die Entwicklung von Body Art und Endurance Art und schufen ein Modell dafür, wie Ausdauer, Stille und die direkte Begegnung zwischen Künstlerin und Publikum zum Kernmaterial eines Kunstwerks werden können. Tino Sehgal, Anne Imhof oder auch Paolo Canevari griffen auf Verfahren zurück, die Abramović in Jahrzehnten erprobt hatte. Marina Abramović lebt und arbeitet heute, im Alter von 78 Jahren, in New York.

QUICK FACTS

• 1946: Geburt in Belgrad, Jugoslawien; Kindheit geprägt durch Eltern, die als Partisanen Nationalhelden waren
• 1965–1970: Studium der Malerei an der Akademie der Bildenden Künste in Belgrad, anschließend Weiterführung in Zagreb
• 1973–1974: Erste öffentliche Performances der Rhythm-Serie in Edinburgh und Neapel; Beginn der Auseinandersetzung mit Schmerz und Kontrollverlust
• 1976–1988: Künstlerische und private Partnerschaft mit Ulay; gemeinsame Performances zu Vertrauen, Identität und Abhängigkeit; Trennung durch die Chinesische-Mauer-Performance
• 1989–1996: Neuausrichtung als Solokünstlerin; verstärkte Beschäftigung mit Balkan-Identität und politischer Gewalt
• 1997: Goldener Löwe der Biennale von Venedig für die Installation Balkan Baroque
• 2002: The House with the Ocean View in der Sean Kelly Gallery, New York; zwölf Tage ohne Nahrung auf einer erhöhten Plattform
• 2005: Seven Easy Pieces im Guggenheim Museum, New York; Re-Enactment historischer Performances
• 2010: Große Retrospektive und The Artist Is Present im MoMA, New York; 736 Stunden Sitzperformance vor rund 1.500 Besuchern
• Seit 2010: Gründung des Marina Abramović Institute; weltweite Ausstellungen und Workshops zur Abramović-Methode

Erwähnte Künstler

Lust auf mehr? Hier findest du die im Text verlinkten Vorbilder, Zeitgenossen und Nachfolger mit eigenen Kurzbiografien.

• Bruce Nauman – Konzeptkünstler, dessen Performance Abramović wiederaufführte

Joseph Beuys – Fluxus-Künstler, dessen Werk Abramović neu interpretierte