Caspar David Friedrich

Die künstlerische Entwicklung Caspar David Friedrichs vollzog sich in mehreren entscheidenden Phasen, die von persönlichen Schicksalsschlägen, politischen Umbrüchen und künstlerischen Durchbrüchen geprägt waren. Seine Kunst entwickelte sich vom präzisen Naturstudium hin zur symbolischen Landschaft, die weit über die bloße Abbildung hinausreichte.

Lehrjahre und Frühphase

Friedrichs Weg zur Kunst begann im strengen lutherischen Elternhaus in Greifswald. Sein Vater, ein Seifensieder und Kerzenmacher, ermöglichte ihm trotz bescheidener Verhältnisse eine künstlerische Ausbildung. Ab 1790 lernte Friedrich bei Johann Gottfried Quistorp, dem Universitätszeichenlehrer von Greifswald. Quistorp, der seinen Schülern anhand seiner umfangreichen Sammlung auch Werke von Künstlern wie Jakob Philipp Hackert zugänglich machte, führte seinen Schüler in die Kunst des Zeichnens nach der Natur ein. Diese frühen Studien unter freiem Himmel – Friedrich fertigte präzise Skizzen von Bäumen, Wolkenformationen und Küstenlandschaften an – bildeten das Fundament seiner späteren Atelierarbeit.

Von 1794 bis 1798 studierte Friedrich an der renommierten Königlichen Kunstakademie in Kopenhagen, damals eine der fortschrittlichsten Kunstschulen Europas. Hier vertiefte er seine Kenntnisse in der Landschaftsmalerei und kam erstmals mit den Ideen der nordischen Romantik in Berührung. Die Professoren Nicolai Abildgaard und Jens Juel prägten seine Auffassung von der emotionalen Kraft der Landschaft. Besonders Juels atmosphärische Mondscheinlandschaften beeinflussten Friedrichs spätere Lichtgestaltung.

Der Umzug nach Dresden und erste Erfolge

1798 ließ sich Friedrich in Dresden nieder, dem pulsierenden Zentrum der deutschen Romantik. Die Stadt an der Elbe bot ihm nicht nur Zugang zu bedeutenden Kunstsammlungen, sondern auch Kontakt zu einem Kreis gleichgesinnter Künstler und Intellektueller. Hier traf er den Maler Philipp Otto Runge wieder, den er bereits aus Greifswald kannte, tauschte sich mit den Dichtern Ludwig Tieck und Heinrich von Kleist aus und fand in dem Arzt und Maler Carl Gustav Carus einen lebenslangen Weggefährten. Auch der Maler Georg Friedrich Kersting gehörte zu seinem engeren Freundeskreis und porträtierte Friedrich mehrfach in seinem Atelier.

Seine ersten Sepiazeichnungen erregten bereits 1805 Aufmerksamkeit, als ihm Johann Wolfgang von Goethe bei einem Wettbewerb in Weimar den halben Preis zusprach. Diese frühen Arbeiten zeigten bereits Friedrichs charakteristische Verbindung von präziser Naturbeobachtung und symbolischer Aufladung. Ruinen gotischer Kirchen, knorrige Eichen und nebelverhangene Gebirge wurden zu Trägern einer tiefen Gefühlswelt.

Der Tetschener Altar und die Ramdohr-Kontroverse

Ein Wendepunkt in Friedrichs Karriere war die Entstehung des „Tetschener Altars“ (Das Kreuz im Gebirge) von 1808. Dieses für die Gräfin von Thun-Hohenstein geschaffene Altarbild zeigte eine gewagte Neuerung. Friedrich setzte eine reine Landschaft – Tannen vor einem Abendhimmel mit einem Gipfelkreuz – als religiöses Andachtsbild ein. Diese Grenzüberschreitung löste den sogenannten Ramdohr-Streit aus. Der Kammerherr Friedrich Wilhelm Basilius von Ramdohr kritisierte in einem scharfen Pamphlet, es sei „eine wahre Anmaßung, wenn die Landschaftsmalerei sich in die Kirchen schleichen und auf die Altäre kriechen will“.

Friedrich verteidigte sein Werk mit der Überzeugung, dass die Natur selbst die unmittelbarste Offenbarung des Göttlichen sei. Unterstützung erhielt er von Freunden aus dem Dresdner Romantikerkreis, darunter der Dichter und Prediger Gotthard Ludwig Kosegarten. Diese Kontroverse machte Friedrich schlagartig bekannt und etablierte ihn als führenden Vertreter einer neuen, spirituellen Landschaftsauffassung.

Patriotische Symbolik während der Befreiungskriege

Die Jahre der napoleonischen Besatzung und der Befreiungskriege (1813-1815) prägten Friedrichs Werk mit einer deutlichen politischen Dimension. In Gemälden wie „Chasseur im Walde“ (1814) oder „Gräber gefallener Freiheitskämpfer“ verarbeitete er die nationale Erhebung gegen Napoleon. Deutsche Eichen wurden zu Symbolen des Widerstands, gotische Ruinen zu Mahnmalen vergangener Größe. Friedrich, der selbst keine aktive Rolle in den Kämpfen spielte, drückte seine patriotischen Gefühle in einer verschlüsselten Bildsprache aus.

Besonders eindrucksvoll gelang ihm dies in dem Gemälde „Huttens Grab“ (1824), das den Reformator und Humanisten Ulrich von Hutten ehrt. Die alten germanischen Hünengräber, die Friedrich auf seinen Wanderungen durch Rügen studiert hatte, verwandelte er in Denkmäler deutscher Geschichte und Identität.

Höhepunkte der Karriere und die bekanntesten Werke

Die Jahre zwischen 1818 und 1825 markieren den Höhepunkt von Friedrichs künstlerischem Schaffen. In dieser Phase entstanden seine heute berühmtesten Gemälde, die zu Ikonen der Romantik wurden. „Der Wanderer über dem Nebelmeer“ (1818) zeigt eine Rückenfigur auf einem Felsvorsprung, die über eine nebelverhangene Gebirgslandschaft blickt. Diese Komposition – der Betrachter schaut gemeinsam mit der dargestellten Figur in die Landschaft – wurde zu Friedrichs Markenzeichen. Die Rückenfigur fungiert als Stellvertreter des Betrachters und lädt zur Kontemplation ein.

„Kreidefelsen auf Rügen“ (1818) entstand nach Friedrichs Hochzeitsreise mit Caroline Bommer auf die Ostseeinsel. Das Gemälde zeigt drei Figuren am Rand der berühmten Kreidefelsen: eine Frau in rotem Kleid, die vorsichtig nach unten deutet, einen Mann, der auf dem Bauch liegend in die Tiefe blickt, und einen zweiten Mann, der an einem Baum lehnt. Die Szene verbindet persönliche Erinnerung mit universeller Symbolik – die drei Figuren können als Allegorie der Lebensstufen gedeutet werden.

Die Darstellung des Erhabenen in der Natur

Friedrichs Gemälde dieser Schaffensperiode verkörpern das romantische Konzept des Erhabenen (Sublime) in vollendeter Form. „Das Eismeer“ (1824), auch als „Die gescheiterte Hoffnung“ bekannt, zeigt ein von Eisschollen zermalmtes Schiff. Die gewaltigen, sich auftürmenden Eisblöcke demonstrieren die überwältigende Macht der Natur gegenüber menschlichen Unternehmungen. Das Werk entstand unter dem Eindruck der Berichte über die Arktisexpeditionen von William Edward Parry und wurde zum Symbol für das Scheitern menschlicher Hybris angesichts der Naturgewalten.

„Mönch am Meer“ (1810) reduziert die Landschaft auf ihre elementaren Bestandteile. Meer, Himmel und eine winzige menschliche Gestalt. Diese radikale Komposition, die auf jegliche Staffage verzichtet, vermittelt ein Gefühl existenzieller Einsamkeit und konfrontiert den Betrachter mit der Unendlichkeit. Heinrich von Kleist beschrieb das Gefühl vor diesem Bild treffend: „Es ist, als ob einem die Augenlider weggeschnitten wären.“

Spätwerk und Ende der Karriere

Ab 1826 begann sich Friedrichs Gesundheitszustand zu verschlechtern. Ein erster leichter Schlaganfall deutete sich an, doch der Künstler arbeitete zunächst unermüdlich weiter. „Die Lebensstufen“ (1835) gehört zu seinen letzten großen Ölgemälden und kann als künstlerisches Testament gelesen werden. Am Strand von Uferwieck bei Greifswald sehen wir fünf Figuren verschiedenen Alters und fünf Schiffe in unterschiedlicher Entfernung vom Ufer – eine Allegorie des Lebensweges von der Kindheit bis zum Tod.

Krankheit und künstlerischer Rückzug

Ein schwerer Schlaganfall im Juni 1835 lähmte Friedrichs rechte Hand teilweise und zwang ihn, die Ölmalerei weitgehend aufzugeben. In seinen letzten Jahren konzentrierte er sich auf kleinformatige Sepiazeichnungen und Aquarelle, die trotz der körperlichen Einschränkung von ungebrochener künstlerischer Kraft zeugen. Diese späten Blätter, oft Variationen früherer Motive, besitzen eine traumhafte, fast visionäre Qualität.

Der einst gefeierte Künstler geriet zunehmend in Vergessenheit. Der Zeitgeschmack hatte sich gewandelt, die Düsseldorfer Malerschule mit ihrer detailrealistischen Landschaftsauffassung dominierte nun den Kunstmarkt. Friedrichs symbolisch aufgeladene, kontemplative Kunst erschien der jüngeren Generation als überholt. Seine letzten Jahre verbrachte er zurückgezogen in seiner Dresdner Wohnung, gepflegt von seiner Frau Caroline und umgeben von wenigen treuen Freunden wie Carl Gustav Carus, dem norwegischen Maler Johan Christian Dahl und Gerhard von Kügelgen.