Helen Frankenthaler

Helen Frankenthalers Weg als Malerin erstreckte sich über sechs Jahrzehnte und durchlief dabei mehrere deutlich voneinander unterscheidbare Phasen. Von der akademischen Ausbildung über den Durchbruch mit der Soak-Stain-Technik bis hin zu einem vielschichtigen Spätwerk, das Holzschnitte, Druckgrafik und neue Farbmaterialien einschloss, blieb die Künstlerin in ständiger Bewegung. Dabei veränderten sich ihre Mittel, ihre Grundhaltung jedoch blieb konstant. Farbe als eigenständiges Material zu begreifen, das den Raum auf der Leinwand selbst organisiert, war der Kern ihrer gesamten Arbeit.

Biografie und Ausbildung in New York

Der Weg zur Malerei begann über eine fundierte Ausbildung, die früh Theorie und Praxis miteinander verband. An der Dalton School in Manhattan erhielt die junge Frankenthaler Unterricht bei Rufino Tamayo, einem mexikanischen Maler, der für seine intensive Farbigkeit bekannt war. Anschließend studierte sie am Bennington College in Vermont, wo sie unter anderem bei Paul Feeley arbeitete, einem Vertreter der geometrischen Abstraktion. Ergänzend besuchte sie Kurse an der Art Students League of New York sowie kunsthistorische Seminare, die ihren Blick für europäische Moderne und amerikanische Abstraktion schärften.

Erste künstlerische Schritte und der Einfluss der Moderne

Frankenthalers frühe Arbeiten aus den späten 1940er Jahren zeigen noch eine Nähe zum expressionistischen Duktus, allerdings bereits mit einer auffälligen Sensibilität für Farbe und Fläche. Sie orientierte sich an Künstlern wie Wassily Kandinsky und Arshile Gorky, deren biomorphe Formen und freie Farbbehandlung ihr den Weg zu einer eigenen Abstraktion wiesen.

Die akademische Grundlage war dabei kein Korsett, sondern ein Sprungbrett. Frankenthaler wusste, welche Regeln sie brechen wollte, weil sie diese Regeln zunächst gründlich gelernt hatte.

Jackson Pollock, Clement Greenberg und der Weg zur Soak-Stain-Technik

Im Umfeld der New Yorker Kunstszene der frühen 1950er Jahre entstanden die prägenden Begegnungen, die Frankenthalers Kunst grundlegend veränderten. Besonders wichtig war die Beziehung zu Clement Greenberg, dem einflussreichsten Kunstkritiker seiner Generation. Greenberg erkannte früh das Potenzial ihrer Arbeiten und ordnete sie in einen erweiterten Diskurs der Abstraktion ein. Er war es auch, der Frankenthaler 1951 in das Atelier von Jackson Pollock und Lee Krasner in Springs, Long Island, einführte.

Der Besuch bei Pollock als Wendepunkt

Was Frankenthaler dort sah, veränderte ihre gesamte Arbeitsweise. Pollock legte seine Leinwände auf den Boden und ließ Farbe in rhythmischen Bewegungen darauf tropfen, sein berühmtes Drip Painting. Entscheidend für Frankenthaler war dabei ein spezifisches Detail, das die meisten Betrachter übersahen. Pollocks Leinwände waren teilweise ungrundiert. An diesen Stellen sickerte die Farbe in das Gewebe ein, statt auf der Oberfläche zu liegen. Dieser Effekt, Farbe und Leinwand verschmelzen zu einem einzigen Element, wurde für Frankenthaler zum Ausgangspunkt einer völlig neuen Methode.

Schon im folgenden Jahr, 1952, entstand mit „Berge und Meer“ (Mountains and Sea) das Gemälde, das diese Erkenntnis konsequent umsetzte. Frankenthaler verdünnte Ölfarbe bis zur Konsistenz von Wasserfarbe und goss sie auf eine ungrundierte Baumwoll-Leinwand, sogenannten Cotton Duck, ein besonders saugfähiges Gewebe. Die Farbe breitete sich auf dem am Boden liegenden Bild in weichen Farbflächen aus, floss ineinander, bildete durchscheinende Schichten.

Die Leinwand blieb an vielen Stellen sichtbar und wurde selbst zum Bildelement, zum Licht und zur Luft des Gemäldes.

Die Beziehung zu Clement Greenberg als intellektuelle Allianz

Die Beziehung zu Greenberg war für Frankenthalers Karriere von doppelter Bedeutung. Einerseits verschaffte er ihr Zugang zu den zentralen Akteuren der New Yorker Kunstwelt, von Pollock und Krasner bis zu Willem de Kooning und Franz Kline. Andererseits lieferte sein theoretisches Denken, insbesondere seine Überzeugung, dass die Zukunft der Malerei in der Flächigkeit und nicht in der Illusion von Tiefe liege, eine intellektuelle Rahmung für das, was Frankenthaler intuitiv bereits tat.

Greenberg und Frankenthaler waren einige Jahre ein Paar, und ihr Austausch war ebenso persönlich wie professionell. Dennoch wäre es falsch, ihren künstlerischen Durchbruch als Ergebnis seiner Theorie zu lesen. Die Soak-Stain-Technik, also das Tränken und Färben der Leinwand, entstand aus Frankenthalers eigenem Experiment, aus dem konkreten Umgang mit Farbe, Schwerkraft und Zufall.

Die Ehe mit Robert Motherwell und die reife Schaffensphase

1958 heiratete Frankenthaler den Maler Robert Motherwell, eine der zentralen Figuren des abstrakten Expressionismus. Die Ehe, die bis 1971 dauerte, brachte zwei eigenwillige künstlerische Temperamente zusammen. Motherwell arbeitete mit dunklen, oft schweren Formen und einer stark von europäischer Philosophie geprägten Bildsprache. Frankenthaler dagegen blieb der Leichtigkeit und Transparenz verpflichtet. Der künstlerische Austausch zwischen beiden war produktiv, auch wenn oder gerade weil ihre Ansätze so unterschiedlich waren.

In den 1960er Jahren wechselte Frankenthaler von Ölfarbe zu Acryl, einem damals noch relativ neuen Material. Acrylfarbe trocknete schneller und erzeugte klarere, leuchtendere Farbflächen. Gleichzeitig ermöglichte sie schärfere Ränder und eine präzisere Kontrolle der Farbverläufe. Werke wie „Bay“ (1963), „Canyon“ (1965) und „Flood“ (1967) zeigen diese Entwicklung deutlich. Die Farbflächen werden größer, selbstbewusster, die Kompositionen klarer, ohne an Spontaneität zu verlieren.

Natur und Landschaft als Inspiration

Viele von Frankenthalers Werktiteln verweisen auf Landschaften und Naturphänomene. „Mountains and Sea“ entstand nach einer Reise nach Nova Scotia, „Flood“ legt Wasser und Überschwemmung nahe. Diese Titel waren keine Beschreibungen, sondern eher Erinnerungsspuren.

Frankenthaler malte nie gegenständlich, doch die Erfahrung von Licht, Weite und Farbe in der Natur floss als emotionales Fundament in ihre Arbeit ein. Man könnte sagen, sie malte nicht Landschaften, sondern das Gefühl, in einer Landschaft zu stehen.

Helen Frankenthalers späte Werke und die Erweiterung des Mediums

Ab den 1970er Jahren begann Frankenthaler, ihre malerischen Prinzipien systematisch auf andere Medien zu übertragen. Sie arbeitete intensiv mit Holzschnitt und Druckgrafik, wobei sie die Technik auf unkonventionelle Weise einsetzte. Statt des üblichen harten Schnitts verwendete sie weichere Hölzer und ließ die Maserung des Holzes als gestalterisches Element sichtbar werden. Auch in der Lithografie und der Tapisserie fand sie Möglichkeiten, ihre fließende Farbbehandlung umzusetzen.

Holzschnitte und Druckgrafik als neue Medien

Die Holzschnitte, die ab den 1970er Jahren entstanden, überraschten die Kunstwelt, weil sie dem traditionell kantigen Medium eine unerwartete Weichheit verliehen. Frankenthaler druckte mit mehreren Holzplatten übereinander und erzeugte so Schichtungen, die an ihre Gemälde erinnerten. Tyler Graphics, die Druckwerkstatt, mit der sie eng zusammenarbeitete, ermöglichte ihr dabei technische Experimente, die in der Druckgrafik bis dahin unüblich waren.

Das Spätwerk der 1990er und 2000er Jahre

In ihren letzten beiden Schaffensjahrzehnten veränderte sich Frankenthalers Palette. Die Farben wurden oft dunkler, die Kompositionen dichter. Ein Gemälde wie „Grey Fireworks“ (2000), heute im Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden zu sehen, zeigt eine Malerin, die nach Jahrzehnten der Leichtigkeit auch die Schwere nicht scheute. Die späten Arbeiten wirken konzentrierter, manchmal fast meditativ. Frankenthaler, die lange als Pionierin der Offenheit galt, bewies damit, dass Verdichtung ebenso zu ihrem Repertoire gehörte.

Stilmerkmale von Helen Frankenthaler

Die Stilmerkmale von Helen Frankenthaler lassen sich an einer Reihe wiederkehrender Prinzipien ablesen, die sich über Jahrzehnte hinweg entwickelten und verfeinerten, ohne ihren Kern zu verlieren.

Zentral ist die Arbeit mit offenen Farbflächen, die ohne feste Begrenzung ineinander übergehen, vergleichbar mit Aquarellfarbe, die auf nassem Papier ausläuft. Diese Farbfelder erzeugen transparente Schichten, durch die die Struktur der Leinwand sichtbar bleibt. Das Bild wirkt dadurch nicht wie eine Oberfläche, auf die etwas aufgetragen wurde, sondern wie ein durchlässiges Gewebe aus Farbe und Material.

Die Kompositionen folgen keiner zentralen Achse oder Hierarchie. Stattdessen entsteht eine fließende Balance, bei der sich die einzelnen Farbzonen gegenseitig halten und stabilisieren. Form tritt zugunsten farblicher Beziehungen zurück. Rot antwortet auf Blau, ein blasser Streifen gibt einem dichten Feld Raum zum Atmen.

Das Wechselspiel zwischen Kontrolle und Zufall durchzieht das gesamte Werk. Frankenthaler plante die Grundlagen einer Komposition, ließ aber der Farbe die Freiheit, eigene Wege auf dem Gewebe zu nehmen. Diese Methode verlangte Erfahrung und Entscheidungsfreude, denn der Moment, in dem man aufhört, bestimmt das Kunstwerk ebenso wie der Moment, in dem man beginnt.

Techniken und Materialien

Frankenthalers technische Herangehensweise war untrennbar mit ihrer Ästhetik verbunden. Die Wahl der Materialien bestimmte, wie ein Bild aussehen konnte, und umgekehrt.

In der Frühphase arbeitete die Malerin mit stark verdünnter Ölfarbe, die sie auf ungrundierte Baumwoll-Leinwand, sogenannten Cotton Duck, goss. Dieses Gewebe war besonders saugfähig und nahm die Farbe wie ein Schwamm auf. Ab den 1960er Jahren wechselte sie zu Acrylfarbe, die schneller trocknete und intensivere Farbtöne ermöglichte.

Die Leinwand lag dabei flach auf dem Boden, was Frankenthaler erlaubte, Farbe zu gießen, zu kippen und verlaufen zu lassen, eine Arbeitsweise, die an Pollocks Methode erinnert, aber zu völlig anderen Ergebnissen führte. Neben dem reinen Gießen nutzte Frankenthaler auch Schwämme, Rakel und breite Pinsel, um die Farbverläufe zu steuern, Ränder zu verwischen oder bestimmte Zonen gezielt zu verdichten.

Dieses Stain Painting, also die Fleckmalerei, machte die Leinwand selbst zum aktiven Partner im Malprozess. Ergänzend entstanden Arbeiten auf Papier, in Lithografie, Holzschnitt und Tapisserie, wodurch sich die malerischen Prinzipien auf unterschiedliche Materialien und Formate übertrugen.

Frankenthalers Einfluss und Vermächtnis

Die Wirkung von Helen Frankenthalers Arbeit auf ihre Zeitgenossen und die nachfolgende Generation abstrakter Maler war unmittelbar und konkret. Ihr Einfluss lässt sich an bestimmten Künstlern, bestimmten Techniken und bestimmten Entwicklungen festmachen.

Der Einfluss auf Morris Louis, Kenneth Noland und die Washington Color School

1953 besuchten die Maler Morris Louis und Kenneth Noland, beide damals in Washington ansässig, Frankenthalers Atelier. Clement Greenberg hatte den Besuch arrangiert. Was Louis und Noland dort sahen, vor allem das Gemälde „Mountains and Sea“, veränderte ihre eigene Arbeit grundlegend.

Louis übernahm die Soak-Stain-Technik und entwickelte daraus seine charakteristischen „Veil“-Gemälde, bei denen übereinandergelegte Farbschleier den gesamten Bildraum ausfüllen. Noland wiederum nutzte die Methode für seine konzentrischen Kreise und Chevron-Muster. Beide Künstler wurden zu zentralen Figuren der Washington Color School, einer Bewegung, die ohne Frankenthalers Vorarbeit in dieser Form kaum denkbar gewesen wäre.

Auch für die von Greenberg geprägte Strömung der Post-Painterly Abstraction, also der Abstraktion jenseits des gestischen Malduktus, lieferte Frankenthaler die technische und ästhetische Grundlage.

Abstrakter Expressionismus und die Rolle der Künstlerinnen

Frankenthalers Position innerhalb des abstrakten Expressionismus war lange Zeit zwiespältig. Die Kunstwelt der 1950er Jahre war männlich dominiert, und Künstlerinnen wie Lee Krasner und Elaine de Kooning kämpften um Sichtbarkeit in einer Szene, die den heroischen männlichen Gestus zum Maßstab erhob.

Frankenthaler wurde zwar früh ausgestellt und von Kritikern wahrgenommen, doch die volle Anerkennung ihres Beitrags kam erst Jahrzehnte später. Heute wird sie als Pionierin gesehen, die zeigte, dass die Zukunft der abstrakten Malerei nicht im kraftvollen Auftrag lag, sondern im durchlässigen Fließen.

Die Helen Frankenthaler Foundation, die nach ihrem Tod gegründet wurde, verwaltet ihren Nachlass und fördert zeitgenössische Künstlerinnen und Künstler durch Stipendien und Ausstellungen. Einzelausstellungen ihres Werks finden regelmäßig in großen Museen statt, zuletzt unter anderem im Museum Folkwang in Essen.

Helen Frankenthaler Platz in der Kunstgeschichte

Helen Frankenthalers Bedeutung für die spätere Kunstgeschichte liegt in der Verbindung von Technik und Haltung. Ihre Soak-Stain-Methode lieferte die Grundlage für die lyrische Abstraktion (Lyrical Abstraction), eine Strömung, die in den 1960er und 1970er Jahren als Gegenbewegung zur harten Kante der Minimal Art an Bedeutung gewann. Auch das All-over Painting, bei dem kein Bildbereich dem anderen hierarchisch übergeordnet ist, fand in ihren Arbeiten einen zentralen Bezugspunkt.

Ihr Prinzip, Farbe als Material zu behandeln, das mit dem Bildträger verschmilzt statt auf ihm zu ruhen, wirkte bis in die zeitgenössische Abstraktion hinein und beeinflusste Maler wie Sam Gilliam, Larry Poons und Pat Steir.

Helen Frankenthaler starb am 27. Dezember 2011 in Darien, Connecticut, im Alter von 83 Jahren.

QUICK FACTS

• 1928: Geboren am 12. Dezember in New York City als Tochter eines Richters am New York State Supreme Court
• Bis 1945: Ausbildung an der Dalton School bei Rufino Tamayo
• 1945–1949: Studium am Bennington College bei Paul Feeley, Kurse an der Art Students League of New York
• 1950–1952: Begegnung mit Clement Greenberg, Besuch bei Jackson Pollock und Lee Krasner in Springs. Entstehung von „Mountains and Sea“, dem Schlüsselwerk der Soak-Stain-Technik
• 1953–1957: Erste Einzelausstellung in der Tibor de Nagy Gallery, New York. Atelierbesuch von Morris Louis und Kenneth Noland, der die Washington Color School inspirierte
• 1958–1971: Ehe mit Robert Motherwell. Wechsel von Öl- zu Acrylfarbe. Zentrale Werke wie „Bay“ (1963) und „Flood“ (1967)
• 1969: Einzelausstellung im Whitney Museum of American Art, New York
• 1970er–1990er: Intensive Arbeit in Holzschnitt, Lithografie und Tapisserie. Erweiterung der malerischen Prinzipien auf Druckgrafik
• 2000–2003: Entstehung später Gemälde wie „Grey Fireworks“. Ausstellungen in internationalen Museen, darunter das Museum Folkwang und das Kunstmuseum Wolfsburg
• 2011: Helen Frankenthaler stirbt am 27. Dezember in Darien, Connecticut, im Alter von 83 Jahren

Erwähnte Künstler

Lust auf mehr? Hier findest du die im Text verlinkten Vorbilder, Zeitgenossen und Nachfolger mit eigenen Kurzbiografien.

• Wassily Kandinsky – Wegbereiter der abstrakten Malerei, frühes Vorbild
• Arshile Gorky – Biomorphe Formen und freie Farbbehandlung als Orientierung
• Jackson Pollock – Wegbereiter der Drip-Technik, zentrale Inspiration
• Lee Krasner – Eigenständige abstrakte Expressionistin, Pollocks Ehefrau
• Willem de Kooning – Zentralfigur des abstrakten Expressionismus in New York
• Franz Kline – Zeitgenosse der New Yorker Szene
• Robert Motherwell – Frankenthalers Ehemann und führender abstrakter Expressionist
• Elaine de Kooning – Malerin und Kunstkritikerin, Zeitgenossin